LÁZARO GARCÍA MEDINA (1968) / SOMOS MAR E ISLA

•  Están lejos y solos ahí abajo, no saben en qué dirección van ni lo que hablan o monologan, el mar y la luz son suaves y cálidos, si bien su amenaza radica en su fatal silencio y el engaño que supone su cualidad sensual, plástica y fatal para envolverlos y arraigarlos.     

•  Al principio es como si estos dibujos del cubano LÁZARO tuviesen una magia óptica que sorprendiese a nuestra mirada por esa significación visual que nos sumergiese dentro de ella sin preguntas y respuestas, sólo el ánimo de "estar suspendidos" en ese trance. 

•  Después, cabe todo un cúmulos de significados y ninguno de ellos fomenta lo que parece actualmente una tendencia, cual es la de una concepción ambigua del mundo en que habitamos.  Por el contrario, en este caso la línea, color, tonos, volúmenes y perspectivas definen desde una visión romántica modos y luchas por la vida, la supervivencia, la angustia y el tiempo que no acaba de hacerla mudarse.     

En Filipinas, de la mano de Corazón Aquino, seiscientas mil personas fueron expulsadas de sus lugares de residencia, normalmente sin ningún alojamiento alternativo (Mike Davis).  

FAUSTINO MANCHADO (1951) / IMÁGENES QUE ME BUSCAN

•  Sobre el arte del pasado en relación al arte del presente se abren un cúmulo de preguntas y una de ellas es su presunta rivalidad derivada de su propia condición e historicidad. 

•  No creo que en la retina y hacer del español MANCHADO quede espacio para esta reflexión o dilema, él encara la pintura como una explosión barroca que nos enfrenta a la pericia de una metáfora tras otra.  

•  Sinfonías cromáticas magníficamente exploradas y plasmadas, escenografías tumultuosas que nos transmiten fuerza, energía y un contenido de leyenda que se manifiesta a través de una estrategia plástica basada en el impacto y en una visión quimérica.

El desplazamiento contemporáneo de la población es enorme: cada año cientos de miles, algunas veces millones de personas, son expulsadas por la fuerza de barrios enteros (Mike Davis). 

JOSÉ IGNACIO BAQUÉ (1941) / ENCUENTRO EN ELLOS LO QUE QUERÍA Y NO QUERÍA SER

•  Jean Clair es de lo de armas tomar a la hora denunciar la impostura que considera que arrastra el arte actual, lo que queda de manifiesto en sus palabras: "Pero hoy, peor aún, lo que llamamos arte no es más que idiotismo que expresa los caprichos infantiles de un individuo que cree que no le debe nada a nadie". 

•  En el caso de la obra del aragonés BAQUÉ el punto de partida es precisamente que no le debe nada a nadie, pero tampoco incurre en el desatino plástico de moda, sino que ofrece un tratamiento depurado de una realidad que se evoca por lo que es y por lo que referencia. 

•  Es un juego cruel que expresa un pensamiento desde la distancia, que se implica en la construcción de unos pequeños personajes que se alegorizan mejor en su mera concisión de forma y color apretados, texturizados, simbolizados, plasmados en juguetes en busca de un destino que nos tememos que sea muy desgraciado.    

Las poderosas tendencias del mercado siguen empujando a la mayoría de la población sin recursos hacia esos mismos márgenes de la vida urbana (Mike Davis).

ÁNGEL ORENSANZ (1940) / ENTRE ÍDOLOS Y ORBES

•  Las viejas deidades e idolatrías ya tienen otra filosofía de la forma basada en el despojamiento, en lo esquemático y en lo geométrico. Pero su alzamiento vertical u horizontal les da apropiada fenomenología para arroparse, vestir el espacio e implantarle su significación. 

•  Estos vehículos de la materia ideados por el oscense ORENSANZ, han adquirido fisonomía y significado, así como una concepción del éxtasis mediante la consumación de un ethos místico con el cual proyectan a su alrededor una invocación a la universalidad. 

•  Es verdad que son atrabiliarios y demasiado mecánicos y con vocación de depósitos elevadores de almas errabundas, peripáteticas o de incrédulos en pleno delirio. Pero no podemos pasar sin detenernos delante de ellos y señalar nuestro desconcierto.   

El retorno del capitalismo a China trajo consigo las ciudades chabola, las barracas y el hacinamiento en las viviendas donde esta población tuvo que refugiarse (Mike Davis).

HORTENSIA NÚÑEZ LADEVEZE (1932) / AL FINAL TIENE SANGRE PROPIA

•  El hecho de que esta artista canaria esté adscrita a creencias de dudosa entidad, no hace que su obra sea un producto carente de sensibilidad y talento. Milagrosamente -aunque suene a cierto sarcasmo- se despliega bajo unos presupuestos de creatividad emanados de un sentido de la forma que capta su propio espacio y tiempo. 

•  No se someten -afortunadamente- sus esculturas a ningún principio plástico impuesto por y para la buena gobernabilidad supuestamente espiritual, sino que conforman estelas y rumbos que van desde la expresividad por sí misma hasta unos límites figurativos que tienen verticalidad y mínimo volumen (casi podría apuntarse a lo que sería un encaje existencialista). 

• Metamorfosis intemporales de huecos y materia, como las que se levantan con el fin de erigirse en pájaros mensajeros con voluntad de abstracción y de reclamación de una naturaleza más acorde con la visión contemporánea de un pensamiento que no descansa.

El antropólogo Michael Taussig, al hablar de Cali, evoca el Infierno de Dante para describir la lucha por la supervivencia en dos de los tremendamente peligrosos barrios de las afueras de la ciudad. Uno es una famosa montaña de basura y el otro está lleno de niños corriendo con pistolas y granadas de fabricación casera (Mike Davis).   

CERI RICHARDS (1903-1971) / FUENTES DEL OCASO

• Podemos pensar que en el caso del británico RICHARDS el papel del arte -como apuntan algunos- en la vida de un artista debe ser diferente del papel del arte en la vida de la sociedad. 

•  Es verdad que tal como se considera la pintura de este artista, el arte es una existencia que ha vivido y sigue viviendo desde su propia legitimidad -de la que él se ha apropiado-, y que su práctica y apreciación es individual. Pero la forma que adquiere sobre la base de una concepción intuitiva e inteligente está ideada para hacernos participar, como espectadores, dentro de la misma, dada su naturaleza única y exclusiva.   

•  En estas obras hay múltiples conjugaciones y explosivas gamas cromáticas que no estallan sino en la densidad y curvaturas que se revelan como frutos a punto de nacer, de surgir de un caos enfurecido y gentil que no quiere desprenderse de ellas, de sus formas vitales y esplendorosas.   

Todo va al fulgor que viene lleno de fracasos.

(Juan Gelman)

XAVIER MEDINA-CAMPENY (1943) / YO ENTIENDO MI QUEHACER COMO UN SER DESPLAZADO

•  En la escultura, apuntan algunos autores, hubo un debate permanente y todavía lo hay entre el hueco como tránsito de la estatua masa tradicional a la estatua energía del futuro; de la estatua pesada y cerrada a la estatua liviana y abierta.   

•  En la obra del catalán MEDINA-CAMPENY se percibe otro ritual más conceptual, más pensativo, en el que la conformación de la materia toma el cuerpo humano como ente en proceso de transformación, de dudas, de realización que explora, investiga, sin perder un ápice de su fisonomía plástica, de su misterio estructurador.  

  

Probablemente hay más de 200.000 áreas hiperdegradas sobre el planeta, con lo que estamos asistiendo a la formación de megaáreas urbanas hiperdegradas (Mike Davis).  

FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE / PICASSO SOBRE LIENZO

• CALL´ART de Venecia ha decidido, una vez aprobado por unanimidad por el Comité Científico, conceder el PREMIO CRÍTICA, en su edición de 2016, al gran artista hispano-cubano FELIPE ALARCÓN ECHENIQUE, por la obra "Picasso sobre lienzo".   

• En esta magnífica pintura se compendia el espíritu de dislocación que engendró el cubismo y todo el siglo XX, pero además rompe, fragmenta y dinamiza el espacio -y lo llena por entero- hasta que las distintas formas sean un laberinto de pasión, que tal es la alucinación que se esconde en la cabeza del genio.  Aunque ahora, en el XXI, es también un poder que para este artista emana de una dimensión global, en el que las suaves y crecientes tonalidades dibujan miles de líneas que llevan la mirada hacia adentro. 

• No son imágenes de un mundo roto, al contrario, son el cúmulo de un contenido representacional que enfatiza el poder mental de la creación, tanto como para colocar a Picasso como figura y al mismo tiempo espectador que contempla otras visiones y fantasías en manos del hombre que le resucita y hace emerger de uno de los féretros más vivos del planeta.

• FELIPE nunca se engaña a sí mismo en lo que es trascendente y no lo es, por eso, tal como se decía en Egipto, emergió de las aguas del caos e hizo un montón de arena sobre el que pudiera estar siempre de pie. 

Caída en receptáculos del miedo / sangre / sangra. Estadios de minúsculas / ardides que no sirven / ni génesis ni formas.
(Juan Gelman)    

SEBASTIÁN (1947) / NO ME LLEGA EL DESTINO PARA CUBRIR TANTO CIELO

• No cabe duda que el formato monumental proporciona a la escultura una dimensión visual que incita insoslayablemente un examen ocular cuando nos plantamos frente a ella. Ahí radica la importancia de la contribución perceptiva. 

  

• Pero después, el impacto de una obra como la del mexicano SEBASTIÁN punza nuestra contribución afectiva o emocional, nos hace participar y compartir una geometría de referencias múltiples y creativas. La versatilidad de estos iconos nos obliga a establecernos en el futuro, pensarlo como una estética que ha tomado categoría de existencia. 

•  Sus estructuras esquemáticas guardan un orden y se comportan como un organismo aéreo que estimula una visión más clarividente, más asociada a lo esencial de unos cuerpos que ya se han decantado por una teoría y práctica de la forma, cual es que nuestro destino descansase en la fábula del suyo.  

Una hora vale todo lo que hubo / pedazos de la lucha viven

 a su costado /vibraciones de la incandescencia / la muerte enfrente.

(Juan Gelman)

ROGER VON GUNTEN (1933) / FLORA QUE ABRIGA A LA FAUNA

•  El color, sus manchas fluidas, dispersas, flotantes, sudan sobre la superficie, la inundan, la versifican como diagramas envueltos en un mensaje que insemina nuestra mirada.

• En la obra del suizo nacionalizado mexicano VON GUNTEN, lo orgánico, la flora constituyen marcos de visión sígnica y armoniosa, sustrayéndose a cualquier elemento de catalogación que no sea de origen autóctono.   

•  Pintura, por tanto, que ofrece el encanto de una fauna que se reinventa como un placer antropomorfo, que se compromete al designio de encontrar y hallar un viaje hacia un esplendor que parece estar esperándola. Le cabe esa esperanza. 

 La forma y la materia tienen brebajes / pisan el filo de los vientos / sistemas del orgullo.
(Juan Gelman)

MANU MUÑOZ (1977) / NO SON SILENCIOS, SON COLORES DE SOL

•  En el lenguaje plástico de almeriense MUÑOZ, ya sea figurativo o dentro de una dinámica abstracta, el color es construido como una de sus debilidades a las que, con total acierto, no reniega, porque entre otras cosas es consciente de ella dado su aliento creativo.  

•  Tal es su densidad y al mismo tiempo su efluvio, tal es la síntesis de un cromatismo tal fluido, líquido y encantado, que la síntesis de lo condicional y absoluto forman una totalidad gobernada por sus propias leyes.

•  Y es que una obra de arte como ésta mantiene viva, como señala Max Raphael, y realza toda necesidad de ponerte de acuerdo con el mundo. Es sensación, por lo tanto, fortaleza, emoción dentro de una significación general que nos vincula como espectadores anhelantes.

Al balcón de la muerte se asoman pedazos que hubo en noches de revolver y miedo y sueños de verdad y entregas del tomillo en pleno aroma.

(Juan Gelman)

MAITE FERNÁNDEZ ENCINAR / NO ME CUESTA QUE LA DENSIDAD FLUYA

• La intención, al principio, no era apartarse del campo visual más inmediato, aunque careciese de una percepción expresiva conmovedora e incurriese en la monotonía extrínseca del entorno. Pero a medida que se avanza en la construcción de forma operativa esa finalización va tomando otros designios.  

• Y es porque la gama cromática se le escapa y fluye, se densifica, se vigoriza, el paisaje se rehace y se festeja, parte de una bases absolutas para establecer su dominio, y no se deja nada en el interior, lo vomita todo confiando en esa luz del color que acaba totalizando todo el espacio, haciéndolo palpitar como si estuviese naciendo cada día.

• Tales son los procedimientos pictóricos de la asturiana MAITE F. ENCINAR, puesto que a través de ellos se dota de un sentido del oficio muy elaborado que con el transcurso del tiempo le han permitido surcar unos derroteros propios, debidos a la convicción en su concepción de la multiplicidad de ensayos como la única válida.    

• Caspar Davis Friedrich sostenía que el artista debería pintar no sólo lo que ve ante él, sino también lo que ve dentro de él. Pero si no ve nada dentro de él, entonces debería dejar de pintar también lo que ve ante él. 

Romper el mundo en pedacitos, devorarles la entraña, los falsos continentes, desarroparles el jamás. Eso exigen la fiebre, la sangre esperadora, la indignación que cuelgan a secar.

(Juan Gelman)

LUIS TABOADA (1957) / MIS PASIONES VUELAN

• Hay una pintura que aspira a intemporalizarse, servir siempre para todos los tiempos y hemisferios, para las cosmovisiones que se mantienen vigentes para todas las miradas, para todos los conocimientos y vivencias que se confrontan con ella.   

•  El asturiano TABOADA está en esa línea plástica que va desde el romanticismo al expresionismo, del realismo a lo renacentista, de lo lírico a lo trágico. En sus obras ser perceptor no es suficiente, uno ha de estar obligado a sumergirse dentro de las imágenes para sentir, pensar y actuar.

• La estructuración del espacio, dislocado y dividido, hace que las formas sean eficaces y penetren en las profundidades de la imagen. Como señalaba Max Raphael, la profundidad del espacio es la profundidad de la esencia.

La palabra defiende su cintura hasta con el horror.
(Juan Gelman)   

PEDRO ALONSO VIGIL (1954-21013 ) / VIVEN COMO NOSOTROS

•  Decía John Berger que frente a un cuadro o una escultura, el espectador tiende a identificarse con el tema, a interpretar las imágenes por ellas mismas; frente a un dibujo se identifica con el artista, y utiliza las imágenes para adquirir la experiencia consciente de ver como si fuera a través de los ojos de éste.

•  En estas obras del asturiano ya desaparecido ALONSO VIGIL se producen ambos efectos y además con una pulcritud impecable. Como todo un "esquizo"- igual me equivoco- que se precie, en él hay más que síntesis, más que una realidad transformadora. Hay un componente psíquico que impone su creatividad desde otras bases con el fin de culminar lo visual en personajes vivos que les hace salir a la luz.  

•  Claro que está en la naturaleza de la mente creativa -así lo han  señalado y ratificado- disolver aquellas cosas que parecen sólidas y mudar el mundo tal como es en un mundo en el proceso de venir y concebir. 

•  Por tales conceptos la suya es una producción tan inolvidable como de presentimientos turbios, de seres solitarios, anclados en espacios de los que no pueden escaparse, de ambientes ásperos y fantasmagóricos, de crueldades secretas y endogámicas.   

• ¿Dónde estás, Miguel Ángel? ¿ In foco ardente / e l´almaperder se null´altro sente? La
• verdad de tu brazo cambia lo divino.

(Juan Gelman)